В 1999 окончил МГХПУ им. Строганова

Манера художника – всегда узнаваемая, напоминающая комиксы или детскую раскраску. Главный персонаж творчества – придуманный в 1995 году «русский робот», собранный из березовых полешек. Он исполнен в самых разнообразных техниках: в графике, выжиганием по дереву, в виде скульптуры. Космические приключения героя Рубцова разрастаются до межгалактических сюжетов: с того момента, как робот в 1993 году появился на лекции по античности в Строгановке, он успел объехать весь мир, послужить на флоте, отдохнуть на юге и поработать в библиотеке, а теперь обретает амплуа космонавта.

"Отбрасывая техническую функциональность, Рубцов оставляет только символическое значение робота. Русский Робот не добывает уголь, не строит машины, он спасает мир, он «сделает все, что ты захочешь». И появляется на свет этот супергерой не на заводе из металла и пластика, а из дерева с помощью выжигания и выпиливания. Русский Робот не машина, он органический, он теплый, он слишком человечный " .

Участник Московской биеннале современного искусства (2009). Работы художника находятся в частных собраниях России и Австрии.

Представитель младшей линии концептуализма, принадлежит к художественной линии психоделического реализма. В 1991 году окончил постановочный факультет Школы-студии МХАТ.
В 1992 совместно с Дмитрием Лигеросом и Татьяной Деткиной основал художественную группу «Облачная комиссия» (ОК). Название арт-группы восходит к «Руководству для определения облачных форм», изданному Главной геофизической обсерваторией в Ленинграде в 1930году. Вступавшие в «Комиссию» обязаны были регистрироваться, оформлять членские билеты, получать бланки: язык документооборота старательно доводился доабсурда. Современем вобъединение вошло более сотни «наблюдателей- регистраторов», среди которых были Владислав Мамышев-Монро, Ольга Чернышева, Павел Пепперштейн и многие другие.

В своих работах художник оперирует изображением и словом, зачастую соединяя изображение и подпись по принципу созвучия. В работах Насонова объединяются на первый взгляд не связанные друг с другом персонажи и мотивы, но их внезапная связь говорит со зрителем на отдаленно понятном всем языке, вызывающем чувство дежавю – языке сновидений. В творчестве художника прослеживаются мотивы из научно-популярной литературы, советских фильмов, старых журналов, всевозможных руководств и схем. Органично соединяя эти разнородные элементы культурного пространства советского человека, художник создает экзистенциальный коллаж, который сочетает строгость научного подхода, канцелярит и неконтролируемый поток сознания.

C 1989 года провел свыше 30 персональных выставок, участник более чем 130 коллективных выставок в России и за рубежом. В 1995 году основал совместно с Сергеем Ануфриевым и Андреем Соболевым поэтическое общество «ТАРТУ». C 2002 года член группы «Инспекция «Медицинская герменевтика» (основана П. Пепперштейном, С. Ануфриевым и Ю. Лейдерманом в 1987 году). С 2004 года директор «Галереи Одного Зрителя». В 2009 году вошел в лонг-лист премии Кандинского в номинации «Проект года» (проект «Без звука»). Участник 4-й Московской биеннале современного искусства. В апреле 2023 года в Доме культуры ГЭС-2 открылась выставка, посвященная деятельности «Облачной комиссии». Работы в собрании Государственного центра современного искусства (Москва), в частных коллекциях в России и за рубежом.

Художник, работающий в различных жанрах и техниках, в которые входят живопись, фотография, каллиграфия, скульптура, инсталляция, видео- и саунд- арт.

С 14 лет занимался с частным преподавателем технологией и техникой классического изобразительного искусства, но предпочел не художественное, а высшее техническое образование. Окончил аспирантуру в Московском авиационном институте имени Циолковского изучал физику металлов. В личности Ксуты органично соединились математическое, точно организованное сознание и тонкий душевный настрой, позволяющий улавливать вибрации, недоступные прочим. В основе многих проектов лежит сопряжение конкретного и абстрактного. Так, в серии «Изгнание из рая» (2007) сквозь тонкую вязь букв проступают антропоморфные фигуры, в цикле фотографий «CY» (2013) природные объекты складываются в естественные абстракции, а в серии «Горизонты» художник трансформирует волны энцефалограмм в эфемерные горные пейзажи.

Отсылая к полотнам Пьера Сулажа, работы Максима Ксуты из серии «Тектоническая живопись» напоминают скорее условные пейзажи песчаных дюн и футуристических городов. Монохромные и написанные непрерывным фактурным мазком, они взаимодействуют с окружающим освещением и взглядом зрителя. Свет интерферирует и преломляется на поверхностях картин в зависимости от угла зрения, создавая видимость движущегося потока. В результате зритель становится то ли подопытным, то ли соучастником экспериментов художника.

Участник множества персональных и групповых выставок, международных ярмарок искусства. Живет и работает в Москве. Работы автора находятся в собраниях Русского музея, Санкт-Петербург; Росизо; SpallArt collection, Австрия; Imago Mundi Collection; в колекции Хадасса в Сколково.

Российский художник, член арт-группы «Чемпионы мира», участник многочисленных российских и зарубежных выставок, представитель направления «Московский концептуализм».

Закончил Краснопресненскую художественную школу. С 1982 по 1986 гг. учился в Московском высшем художественно-промышленном училище (будущее им. Строганова) и на Филологическом факультете Московского государственного педагогического института им. В. И. Ленина.

С 1980-х годов Лаатышев создает акриловые картины-постеры, по-рекламному яркие и ровные с улыбающимися героями, но при этом в них царит тот же настрой пародийного акционизма, что и в искусстве концептуалистов. Смелость и провокативность раскрывается в картинах Константина Латышева благодаря ироничным, точным и лаконичным надписям-названиям, которые играют, подчеркивают или переворачивают смысл изображения. При ближайшем рассмотрении, его картины оказываются синтезом самых разных культурных феноменов — сентиментальных открыток модерна, футуристических киноплакатов, наглядной агитации советского образца и, наконец, современной рекламы.

Номинант Премии Кандинского (2007), участник Московской биеннале современного искусства (2013). Работы находятся в собраниях: Государственная Третьяковская галерея (Москва), Государственный центр современного искусства (Москва), Центр Жоржа Помпиду (Париж) и др.

Один из самых ярких представителей московской арт-сцены 90-х годов. В 1970-е учился на архитектора в Казанском инженерно-строительном институте, работал фотографом, посещал ВГИК вольнослушателем. В середине 1980-х оказался в художническом сквоте «Детский сад». Работал в мастерских в Фурманном переулке, был участником музыкального арт-коллектива «Среднерусская возвышенность», а также участвовал в шоу Курёхина «Поп-механика». В конце 1980-х Волков стал одним из самых востребованных на Западе молодых и актуальных художников из СССР. Волков — участник знаменитого первого в Москве аукциона Sotheby's 1988 года. В 1990-м его работы были представлены в павильоне СССР на 44-й Венецианской биеннале. Работы

Его стиль складывался под влиянием работ Ильи Кабакова и Эрика Булатова. Волков постоянно экспериментировал с техникой и материалами. Цитируя старых мастеров, он демонстрирует уязвимость, шаткость и эфемерность искусства. В 1990-е в творчестве художника впервые появляется серия работ "Школьные доски". Волков говорил, что был вдохновлен грифельными досками Франсиса Пикабиа, которые он увидел на выставке в Париже. Тончайшие рисунки выполнены мелом на всем знакомых школьных грифельных досках, какие-то из них явно повторяли фотографии, другие представляли реплики известных произведений искусства, но многие были отражением фантазий самого художника. В серии работ 1990-х годов, соответствуя атмосфере окружающей нестабильности в стране, мел принципиально никак не был закреплен, и в любую минуту изображение могло быть уничтожено. Волков создает образы, одновременно трудоемкие и неустойчивые, хрупкие: изображение на школьной доске вызывает ассоциации с учебными практиками, картина становится своего рода упражнением, не претендующим на большее и обреченным на то, чтобы быть стертым дежурным в перерыве между занятиями.
В 2000-е годы новые работы стали уже фиксироваться, и вместе с эпохой неуловимо изменились их визуальная и эмоциональная составляющие.

Работы художника находятся в собраниях Музея Людвига (Кельн, Германия), Музея искусств (Берн, Швейцария), Денверского художественного музея, Национальной галереи (Мельбурн, Австралия), Галереи Фолькера Диля (Берлин, Германия), Центра Помпиду (Париж, Франция), Государственной Третьяковской галереи, Министерства Культуры РФ.

Учился на курсах мастеров резьбы по камню при Московской государственной художественно- промышленной академии имени С. Г. Строганова.
В конце Перестройки Стасюнас входит в круг концептуалистов и молодых художников, называемых часто "кабачками" по имени их главного вдохновителя Ильи Кабакова. В начале 90-х годов участвовал в знаменитых перестроечных выставках – таких как – «Перспективы концептуализма», «Novochento», выставках галереи «Риджина». С 1991 года член Горкома графиков. С 1993 года член Московского союза художников, скульптурная секция. Участник III Московской биеннале современного искусства (2009). В 2004 году был номинантом премии «Черный квадрат», номинант государственной премии Инновация (2012).

Вдохновением для художника является абсурд, окружающий человека. Творческий путь начал с обращения к традициям соц-арта, позднее занялся ироническим переосмыслением реальности через узнаваемые советские и современные образы массовой культуры. На холсте использует техники коллажа и ассамбляжа. Подвергая художественной обработке предметы простые до примитивности, не тронутые дизайнерской мыслью, он пытался обратить внимание на ту сторону вещей, которая обычно пропадает из виду.

На стенде представлены работы из серии «Недвижимость» (2009). В основе сюжетов серии – "городская архитектурная среда". Работы серии отражают тенденцию к фетишизации недвижимого имущества в постсоветской России. По форме произведения напоминают религиозный складень. Но объектом поклонения в данном случае выступает совсем не божественный образ, а всем знакомый вид панельного дома. В анонимности многоэтажек Стасюнас находит логику и красоту, знакомую каждому, кто любовался мозаикой светящихся окон гигантских муравейников спальных районов. Работы серии выполнены в уникальной технике «живописной скульптуры» с применением таких утилитарных материалов как пеньковая веревка, пакля, бруски дерева и гипс.

Российская художница, живописец, пионер медиа-арта в России. В 1989 году окончила Ленинградский архитектурно-индустриальный техникум, отделение архитектуры, после чего училась на архитектурном факультете Государственного архитектурно- строительного университета.
В 1991 основала Лабораторию изучения орнамента при Ленинградском обществе «A-Я». В 1992 году поступила в Берлинский институт ART+COM на отделение компьютерной графики и анимации. В 1994 году Ольга вошла в круг художников Новой Академии, основанной Тимуром Новиковым. С 1995 году Тобрелутс становится активным участником как отечественных, так и международных выставочных проектов. Творчество художницы неоднократно отмечалось наградами. В 1995-м она получила первый приз Videovision на фестивале "Третья реальность" в Петербурге, в 1998-м – второй приз "Лучшая европейская компьютерная графика" на гамбургском фестивале GRIFFELKUNST и в 2016-м была избрана в почетные академики Российской академии художеств.
В своем творчестве художница синтезирует образы классического искусства с элементами поп-культуры. Используя передовые технологии, художница переносит образцы античности в совершенно новый контекст.

На нашем стенде мы представляем новую работу Ольги из серии «Ландшафты небес». Первые работы серии были показаны на выставке «Путешествие из Петербурга в Москву» в рамках московской Биеннале в 2015 году. Ядро проекта — полотна, в которых автор наблюдает родной город и Европу с высоты птичьего полета, размышляя о том, возможно ли адаптировать стиль классицизма к современным условиям.

Работы Тобрелутс находятся в собраниях Русского музея, Третьяковской галереи, Музея Людвига, Московского музея современного искусства, нью-йоркского МОМА и галерей Милана, Брюсселя, Вероны и др.

Российская художница, фотограф.
В 1991 году Наталья знакомится с Тимуром Новиковым, которого впоследствии будет называть своим «главным учителем». В этом же году она поступает в созданную Тимуром Новую Академию Изящных Искусств, где знакомится Владиславом Мамышевым-Монро и Георгием Гурьяновым, чье влияние также можно проследить в творчестве художницы. С 1993-1994 посещает школу кураторов при Центре Современного Искусства в Москве.

В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, сама Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров. Ранние работы Жерновской монохромны, с начала 2000-х годов в ее работах появляется цвет. Художница преображает черно-белые фотографии, раскрашивая их вручную, меняя цвет, контуры, добавляя недостающие детали или убирая лишнее.
Наталья — участник арт-фестивалей и выставочных проектов, среди которых «Фотобиеннале 2000» (проект «Строгий юноша») и проект «Золотое сияние» (2002, Москва).

Российский музыкант, музыкальный продюсер и композитор. Известен как лидер группы «Центр» и автор проектов мультимедийного и экспериментального искусства. В разное время делал музыку в стилях новая волна, электронная музыка, авангард и других. Близок к кругу ленинградского андеграунда. В 1990-м окончил Калифорнийский арт-институт. До 2008 года Шумов жил в Лос-Анджелесе, занимаясь музыкой и живописью. Помимо этого, он преподавал мультимедиа, дизайн и компьютерные технологии, а также снимал короткометражные ленты.

Работает с объединением визуальных образов и музыки.

Представленная на стенде работа является примером коллажного редизайна винтажного плаката в технике акрил/оргалит, прием, к которому Шумов обращается в творчестве последних лет. Работы из серии «Идеальный муж зашивается» раскрывают тему современного «идеального мужа» в самом широком смысле. На картинах изображены концептуально переосмысленные романтические, рекламные, туристические, семейные и прочие повседневные сюжеты винтажных образов.