Российская художница, живописец, пионер медиа-арта в России. В 1989 году окончила Ленинградский архитектурно-индустриальный техникум, отделение архитектуры, после чего училась на архитектурном факультете Государственного архитектурно-строительного университета.
В 1991 основала Лабораторию изучения орнамента при Ленинградском обществе «A-Я». В 1992 году поступила в Берлинский институт ART+COM на отделение компьютерной графики и анимации. В 1994 году Ольга вошла в круг художников Новой Академии, основанной Тимуром Новиковым. С 1995 году Тобрелутс становится активным участником как отечественных, так и международных выставочных проектов. Творчество художницы неоднократно отмечалось наградами. В 1995-м она получила первый приз Videovision на фестивале "Третья реальность" в Петербурге, в 1998-м – второй приз "Лучшая европейская компьютерная графика" на гамбургском фестивале GRIFFELKUNST и в 2016-м была избрана в почетные академики Российской академии художеств. Ее работы находятся в собраниях Русского музея, Третьяковской галереи, Музея Людвига, Московского музея современного искусства, нью-йоркского МОМА и галерей Милана, Брюсселя, Вероны и др.

В своем творчестве Тобрелутс синтезирует образы классического искусства с элементами поп-культуры. Используя передовые технологии, художница переносит образцы античности в совершенно новый контекст.

На стенде представлены живописная работа из серии «Транскодированные структуры». В процессе работы над серией Ольга создает на компьютере собственные фантастические миры со своим специфическим светом и текстурами, а затем переносит их на холст классической техникой масляной живописи. Работы серии были представлены в рамках 58-ой Венецианской биеннале на выставке "Транскодер. До и после медиа в абстракции" (интернациональный павильон OSTEN Pavilion, Северная Македония).

«Работая над этой серией, я заметила, что когда живописное изображение «возвращается» в цифровой формат, то любое цифровое устройство считывает в нем изначальное рождение в трехмерной программе. И, хотя технологическиий процесс был прерван и пропущен через человеческое сознание, цифровая техника все равно дает ему дополнительный объем по сравнению с тем, что не берет свое начало в цифровом построении. Мне стала интересна эта особенность бессознательного считывания цифрового кода человеческим мозгом, и я сделала серию работ «Транскодированные структуры», размышляя над этими новыми для меня данными». (О.Тобрелутс)

Российская художница, фотограф.
В 1991 году Наталья знакомится с Тимуром Новиковым, которого впоследствии будет называть своим «главным учителем». В этом же году она поступает в созданную Тимуром Новую Академию Изящных Искусств, где знакомится Владиславом Мамышевым-Монро и Георгием Гурьяновым, чье влияние также можно проследить в творчестве художницы. С 1993–1994 посещает школу кураторов при Центре Современного Искусства в Москве.

В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, сама Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров. Ранние работы Жерновской монохромны, с начала 2000-х годов в ее работах появляется цвет. Художница преображает черно-белые фотографии, раскрашивая их вручную, меняя цвет, контуры, добавляя недостающие детали или убирая лишнее.

Наталья Жерновская следует в своем творчестве эстетике классической живописи. Художницу привлекает красивое в классическом понимании, она любуется видимым: телом, выражением лица, посадкой одежды. Ее работы часто написаны в лаконичной, почти монохромной манере. Вдохновение художница находит в фотографиях, особенно советского довоенного периода, поясняя: «Я рисую то, что хотела бы сфотографировать, и фотографирую то, что могла бы нарисовать». Выхватывая выразительный жест или красноречивую позу, Жерновская создает эффектные образы, которые хочется снова и снова рассматривать.

Наталья — участник арт-фестивалей и выставочных проектов, среди которых «Фотобиеннале 2000» (проект «Строгий юноша») и проект «Золотое сияние» (2002, Москва). Работы Натальи Жерновской входят в коллекцию Мультимедиа Арт Музея.

На стенде представлена живописная работа “Река Нева” со сценой из балета “Дочь Фараона”. Как и многие другие картины Натальи, она написана на основе авторской фотографии. В свое время художнице посчастливилось познакомиться с великим хореографом Роланом Пети, фотографировать его спектакли, закулисье, а также самого Мастера во время работы в репетиционных залах Парижской оперы. В работах Натальи неуловимость момента можно не просто увидеть, а почувствовать.

Современный российский художник, живописец. Ученик Тимура Новикова, профессор Новой академии изящных искусств.
В 1988 окончил отделение режиссуры, класс Бориса Юхананова в Свободном Университете. 1989 один из создателей клуба Речников. С 1990 по 1992 учился в художественной частной школе Б.Казакова. В 1993-94 учился в Новой Академии Изящных искусств Тимура Новикова. В 1995 учился на международных курсах кураторов, проект ЦСИС, Киев.

В 1990-х изобрел свой фирменный прием - растровую живопись, благодаря которой создает изображение с помощью полос линейного растра. В живописи Острова образы с полотен классических мастеров совмещаются с новыми технологиями.

С самого начала своей художественной деятельности Егор стремился визуализировать то, что его больше всего интересовало. Первое – это связывающий все и вся поток, и второе – вечный идеальный образ. После серии экспериментов с классическим рисунком, живописью, гуммиарабиком и другими техниками, в 1992 году Егор нашел то, что искал. Совместив новые технологии и классические материалы – холст и краски, он нашел свою территорию в мире искусства, на которой работает уже более 30 лет.
Основа – линейный растр – приём, по сути, разработанный Старыми Мастерами – граверами, и воплощённый в ХХ веке в компьютерных программах. Оптический эффект состоит в том, что толщина линийпередаёт светотень. Это наглядно показывает, что наши глаза невероятно высокотехнологичный прибор. Теоретически можно было бы бы обойтись принтами, но с самого начала художник понимал, что только классические технологии производства художественного произведения позволяют ему жить века, и это – хорошо натянутый холст, качественный грунт и не выцветающие краски. К тому же от сделанных вручную работ совершенно другие тактильные и энергетические ощущения.
Способ нанесения краски со временем менялся. Изобразительность оставалась той же, но Остров постоянно экспериментировал с технологиями и материалами. Первые 10 лет он скрупулезно выводил кисточкой линии, используя всевозможные материалы и способы идеального перенесения этих линий. Но на производство каждого произведения уходило невероятное количество времени, и воплотить все задуманные эскизы было невозможно. В начале 2000-х технологии продвинулись, и появилась возможность вырезать трафареты и использовать высокотехнологичные автомобильные краски в спреях. Егора это очень вдохновило и до сих пор он продолжает работать и экспериментировать
в этом направлении, изобретая все новые оптические эффекты и прорабатывая все новые темы.
Последние несколько лет Егор продолжает использовать трафареты, но подход несколько изменился. Он дольше выбирает образы, долго работает над эскизами и снова серьёзную часть работы делает вручную с кистью. Егор всегда подчёркивает, что техника – это не цель, а лишь средство передачи его художественного замысла. Главное – это визуальное впечатление и то послание, которое оно в себе несёт.

Работы в Государственном Русском музее.

Cовременный российский художник. С 1994 выступал в творческом тандеме с Владимиром Дубосарским.

Окончил Московское художественное училище памяти 1905 года и Художественный институт им. В. И. Сурикова. С 1994 года член Московского союза художников; член-корреспондент Академии художеств РФ.

В произведениях дуэта Виноградов & Дубосарский соединилась эстетика советского реализма и идеи поп-арта. Узнаваемые монументальные полотна Дубосарского & Виноградова с конца 90-х объездили весь мир. Виноградов и Дубосарский участники Венецианской биеннале (2003), Цетинской биеннале (1997) и др. Их картины стали отражением целых эпох – постсоветских 1990-х и гламурных 2000-х. Совмещая российские и западные медийные образы, используя цитаты из соцреалистической живописи, Виноградов и Дубосарский создавали ироничные, гротескные сюжеты.

В 2014 году проект Виноградова и Дубосарского завершился. Выработав узнаваемый стиль, художники стали жить в разных странах и нашли разные сферы интересов в искусстве. Александр Виноградов живет и работает в Милане, увлекается цифровой живописью. С 2015 года Владимир Дубосарский сделал несколько персональных выставок и продолжает работать сольно.

Произведения в собраниях Государственной Третьяковской Галереи (Москва), Государственного Русского Музея (Санкт-Петербург), Центра Жоржа Помпиду (Париж), Музей Прикладного Искусства (Вена), Secession (Вена), Музея современного искусства (Авиньон) и др.

На стенде представлена живописная работа “Портрет в интерьере”, созданная в переломный для творчества художника 1994 год, когда образовался творческий тандем Виноградов & Дубосарский.

Cовременный российский художник. Окончил Московское художественное училище памяти 1905 года и Художественный институт им. В. И. Сурикова. С 1994 года член Московского союза художников; член-корреспондент Академии художеств РФ.

С 1994 года Дубосарский работал в творческом тандеме с Александром Виноградовым. Дуэт встал во главе обновления российской живописи, реанимировав сюжетную картину и возвратив ей должное место в отечественном искусстве. В персональном стиле художников просматривается и соцреализм, и лирический сюрреализм, и необарокко, и даже иронический китч. Их картины «отражали мифы и байки постсоветского коллективного бессознательного». После распада дуэта в 2014 году каждый художник пошел своей дорогой. Однако своеобразная соцреалистически-«глянцевая», с обобщением форм манера, наработанная за 20 лет, безусловно, проникает в живопись обоих, сохраняя и крупный формат картин.

Дубосарский — член Московского союза художников, а также член-корреспондент Академии художеств РФ. Работы (совместно с Виноградовым) находятся в собраниях Третьяковской галереи, Русского музея, ММОМА, Centre Pompidou (Париж).

Представленная на стенде работа «Трехпрудный переулок» создана в 1990-е годы, в период, когда по этому адресу функционировал один из первых в Москве художественных сквотов. Дом в Трёхпрудном переулке превратился в художественную колонию в 1991 году, когда его пустующие комнаты заняли художники, превратившие чердак дома в выставочный зал. Была разработана схема, по которой функционировала галерея — выставки открывались здесь регулярно, каждый четверг, к каждому событию выпускался буклет с текстом‑комментарием, на вернисаж приглашались гости — узкий круг друзей, художников и арт‑критиков. В галерее не было такой фигуры, как галерист, она управлялась коллегиально. В её деятельности полностью отсутствовала коммерческая составляющая. Помещение площадью в 36 кв. м было отремонтировано силами самих художников и открылось 5 сентября 1991 года выставкой‑акцией «Милосердие». За два выставочных сезона «трёхпрудники» организовали 95 выставок, 87 из которых прошли на площадке галереи, а 8 — за её пределами. В целом искусство «Трёхпрудного» можно описать как невероятно энергичное, полное юношеского задора и иронии.

Обучение рисунку и живописи начала в 13 лет под руководством Е.Е. Рожковой, ученицы Р. Фалька. Училась в московской художественной школе N 1.

В 1984 -1985 гг училась в МВГПХУ (бывшее Строгановское), в 1985-1989 гг в Московском Полиграфическом Институте.

Посещения сквота «Детский сад», мастерских «На Фурманном» (1985-1988) оказало большое влияние на дальнейшее творчество. С 1986 года активно участвует в выставках. Член объединения "Эрмитаж". Стипендиат министерств культуры России и Австрии. Под руководством А. Корноухова принимала участие в создании мозаик для церкви Преображения в Тушино и церкви святого. Митрофана Воронежского в Москве. Автор ряда мозаик, в том числе в городе Гронинген (Голландия) и Нью Йорке (США). В 2017 году в стала участником антарктического проекта Antarctic Biennale. В проливе Дрейка, на борту судна «Академик Вавилов» прошла выставка рисунков Катерины Ковалевой, сделанных в Антарктиде, которые позже были показаны на 57-й Венецианской биеннале

В 2018 году в Московском музее современного искусства прошла большая ретроспективная выставка К. Ковалевой «Маршруты памяти».
В своих работах художница постоянно исследует феномен памяти, ее связь с историей страны и отдельно взятого человека, обращаясь к архивным материалам, документам и артефактам прошлого. Таким большим исследованием стала выставка «История болезни. Право на отдых», которая состоялась в музее Росфото ( СПБ) в 2021 году. Этот проект посвящён советскому санаторному отдыху , теме забвения и упадка цивилизаций, художница продолжает работу над ним. В 2022-2023 Катерина работает над проектом «Зона ожидания», который был представлен в Соляном амбаре XVIII в. в Тарусе и в Московском Музее истории ГУЛАГа. Художница создает работы, в которых пытается исследовать феномен ожидания . В 2024 Инсталляция «Если пойдет дождь. Зона ожидания» представлена на выставке «Персональные структуры» в Палаццо Бембо в Венеции, в рамках 60-й Венецианской биеннале. В сентябре 2024 в Венеции , в центре современного искусства CREA , откроется персональная выставка Limbo. Зона ожидания.

Катерина Ковалева постоянный участник Арт ярмарок, работы находятся в частных и государственных собраниях России и за рубежом.

На стенде представлен объект «Парадный портрет» (2023, гранит/мрамор).

Один из самых ярких представителей московской арт-сцены 90-х годов. В 1970-е учился на архитектора в Казанском инженерно-строительном институте, работал фотографом, посещал ВГИК вольнослушателем. В середине 1980-х оказался в художническом сквоте «Детский сад». Работал в мастерских в Фурманном переулке, был участником музыкального арт-коллектива «Среднерусская возвышенность», а также участвовал в шоу Курёхина «Поп-механика». В конце 1980-х Волков стал одним из самых востребованных на Западе молодых и актуальных художников из СССР. Волков — участник знаменитого первого в Москве аукциона Sotheby's 1988 года. В 1990-м его работы были представлены в павильоне СССР на 44-й Венецианской биеннале.

Его стиль складывался под влиянием работ Ильи Кабакова и Эрика Булатова. Волков постоянно экспериментировал с техникой и материалами. Цитируя старых мастеров, он демонстрирует уязвимость, шаткость и эфемерность искусства. В 1990-е в творчестве художника впервые появляется серия работ, выполненных на школьных грифельных досках. Волков говорил, что был вдохновлен грифельными досками Франсиса Пикабиа, которые он увидел на выставке в Париже. Первый опыт в этой технике имел место в 1993 году, затем художник вернулся к ней в 2000-е. На большом формате тончайшие рисунки, какие-то из них явно повторяли фотографии, другие представляли реплики известных произведений искусства, но многие были отражением фантазий самого художника. В 1990-е годы, когда, соответствуя атмосфере окружающей нестабильности в стране, появилась эта идея, что все есть тлен, в работах Волкова она была доведена до абсолюта. Мел на досках принципиально никак не был закреплен, и в любую минуту изображение могло быть уничтожено. Изображение на школьной доске вызывает ассоциации с учебными практиками (картина становится своего рода упражнением, не претендующим на большее и обреченным на то, чтобы быть стертым дежурным в перерыве между занятиями), Волков создает образы, одновременно трудоемкие и неустойчивые, хрупкие. В 2000-е годы новые работы стали уже фиксироваться, и вместе с эпохой неуловимо изменились их визуальная и эмоциональная составляющие.
Работы художника находятся в собраниях Музея Людвига (Кельн, Германия), Музея искусств (Берн, Швейцария), Денверского художественного музея, Национальной галереи (Мельбурн, Австралия), Галереи Фолькера Диля (Берлин, Германия), Центра Помпиду (Париж, Франция), Государственной Третьяковской галереи, Министерства Культуры РФ.

На стенде представлены работы «Любовь» и «Весна пришла!» из серии «Школьные доски». Работы созданы в 2024 году.

Учился на курсах мастеров резьбы по камню при Московской государственной художественно-промышленной академии имени С. Г. Строганова. В конце Перестройки Стасюнас входит в круг концептуалистов и молодых художников, называемых часто "кабачками" по имени их главного вдохновителя Ильи Кабакова. В начале 90-х годов участвовал в знаменитых перестроечных выставках – таких как – «Перспективы концептуализма», «Novochento», выставках галереи «Риджина». С 1991 года член Горкома графиков. С 1993 года член Московского союза художников, скульптурная секция. Участник III Московской биеннале современного искусства (2009). В 2004 году был номинантом премии «Черный квадрат», номинант государственной премии Инновация (2012).
Вдохновением для художника является абсурд, окружающий человека. Творческий путь начал с обращения к традициям соц-арта, позднее занялся ироническим переосмыслением реальности через узнаваемые советские и современные образы массовой культуры. На холсте использует техники коллажа и ассамбляжа. Подвергая художественной обработке предметы простые до примитивности, не тронутые дизайнерской мыслью, он пытался обратить внимание на ту сторону вещей, которая обычно пропадает из виду.
«У Витаса Стасюнаса тварное прорастает на подоконниках, радиоточках, мебели старых московских квартир-мастерских, подобных той же «Бронной, 10». Строительный мусор превращается в ландшафт микрорайонов. Разбитое стекло – в раму графического пейзажа, выполненного в силуэтной манере. А кучками растут опята, смиренные индексы съедобной планетарной грязи. Подобно курехинским мухоморам, у Стасюнаса опята стали честным свидетелем новых процессов антропоцена в отдельно взятом сообществе, на дачном участке, в квартире» С. Хачатуров
Работы находятся в коллекциях Государственного Русского музея, Государственной Третьяковской Галереи, Мультимедиа Арт Музея, North Carolina Museum of Art, Пермского музея современного искусства, Красноярского музея современного искусства и др.

На стенде представлена инсталляция “Гнет”, отражающая ироничный взгляд художника на утилитарный подход к классике в современном мире.