ОЛЬГА ТОБРЕЛУТС (род. 1970, Санкт-Петербург)
Российская художница, живописец, пионер медиа-арта в России.
В 1989 году окончила Ленинградский архитектурно- индустриальный техникум, отделение архитектуры, после чего училась на архитектурном факультете Государственногоархитектурно-строительного университета.
В 1991 основала Лабораторию изучения орнамента при Ленинградском обществе «A-Я». В 1992 году поступила в Берлинский институт ART+COM на отделение компьютерной графики и анимации. В 1994 году Ольга вошла в круг художников Новой Академии, основанной Тимуром Новиковым. С 1995 году Тобрелутс становится активным участником как отечественных, так и международных выставочных проектов. Творчество художницы неоднократно отмечалось наградами. В 1995-м она получила первый приз Videovision на фестивале "Третья реальность" в Петербурге, в 1998-м – второй приз "Лучшая европейская компьютерная графика" на гамбургском фестивале GRIFFELKUNST и в 2016-м была избрана в почетные академики Российской академии художеств. Ее работы находятся в собраниях Русского музея, Третьяковской галереи, Музея Людвига, Московского музея современного искусства, нью-йоркского МОМА и галерей Милана, Брюсселя, Вероны и др.
В своем творчестве Тобрелутс синтезирует образы классического искусства с элементами поп-культуры. Используя передовые технологии, художница переносит образцы античности в совершенно новый контекст.
На стенде представлена живописная работа из серии «Транскодированные структуры». В процессе работы над серией Ольга создает на компьютере собственные фантастические миры со своим специфическим светом и текстурами, а затем переносит их на холст классической техникой масляной живописи. Работы серии были представлены в рамках 58- ой Венецианской биеннале на выставке "Транскодер. До и после медиа в абстракции" (интернациональный павильон OSTEN Pavilion, Северная Македония).
Также на стенде представлены работы, выполненные в технике лентикулярной печати. Данная серия возникла как результат сотрудничества Ольги Тобрелутс и компании "Magicvision", занимающейся оперативной полиграфией. Лентикулярная печать — технология печати изображений, в которой лентикулярный растр используется для создания иллюзии глубины пространства и многоракурсности, смены изображения при просмотре под разными углами.
Российская художница, живописец, пионер медиа-арта в России.
В 1989 году окончила Ленинградский архитектурно- индустриальный техникум, отделение архитектуры, после чего училась на архитектурном факультете Государственногоархитектурно-строительного университета.
В 1991 основала Лабораторию изучения орнамента при Ленинградском обществе «A-Я». В 1992 году поступила в Берлинский институт ART+COM на отделение компьютерной графики и анимации. В 1994 году Ольга вошла в круг художников Новой Академии, основанной Тимуром Новиковым. С 1995 году Тобрелутс становится активным участником как отечественных, так и международных выставочных проектов. Творчество художницы неоднократно отмечалось наградами. В 1995-м она получила первый приз Videovision на фестивале "Третья реальность" в Петербурге, в 1998-м – второй приз "Лучшая европейская компьютерная графика" на гамбургском фестивале GRIFFELKUNST и в 2016-м была избрана в почетные академики Российской академии художеств. Ее работы находятся в собраниях Русского музея, Третьяковской галереи, Музея Людвига, Московского музея современного искусства, нью-йоркского МОМА и галерей Милана, Брюсселя, Вероны и др.
В своем творчестве Тобрелутс синтезирует образы классического искусства с элементами поп-культуры. Используя передовые технологии, художница переносит образцы античности в совершенно новый контекст.
На стенде представлена живописная работа из серии «Транскодированные структуры». В процессе работы над серией Ольга создает на компьютере собственные фантастические миры со своим специфическим светом и текстурами, а затем переносит их на холст классической техникой масляной живописи. Работы серии были представлены в рамках 58- ой Венецианской биеннале на выставке "Транскодер. До и после медиа в абстракции" (интернациональный павильон OSTEN Pavilion, Северная Македония).
Также на стенде представлены работы, выполненные в технике лентикулярной печати. Данная серия возникла как результат сотрудничества Ольги Тобрелутс и компании "Magicvision", занимающейся оперативной полиграфией. Лентикулярная печать — технология печати изображений, в которой лентикулярный растр используется для создания иллюзии глубины пространства и многоракурсности, смены изображения при просмотре под разными углами.
«Каждый посетитель Летнего сада надолго сохраняет в своих воспоминаниях плотную листву раскидистых деревьев, солнечные зайчики, прохладную свежесть алей. Как воссоздать ощущение летней прогулки, не перемещая человека во времени? Современные мульти медийные и печатные технологии на лентикулярной линзе, дали возможность создать иллюзию прогулки по парку в солнечный летний день» О.Тобрелутс о триптихе «Летний сад»
СЕРГЕЙ ВОЛКОВ (род. 1956, Казань)
Один из самых ярких представителей московской арт-сцены 90-х годов. В 1970-е учился на архитектора в Казанском инженерно- строительном институте, работал фотографом, посещал ВГИК вольнослушателем. В середине 1980-х оказался в художническом сквоте «Детский сад». Работал в мастерских в Фурманном переулке, был участником музыкального арт-коллектива «Среднерусская возвышенность», а также участвовал в шоу Курёхина «Поп-механика». В конце 1980-х Волков стал одним из
самых востребованных на Западе молодых и актуальных художников из СССР. Волков — участник знаменитого первого в Москве аукциона Sotheby's 1988 года. В 1990-м его работы были представлены в павильоне СССР на 44-й Венецианской биеннале. Работы художника находятся в собраниях Музея Людвига (Кельн, Германия), Музея искусств (Берн, Швейцария), Денверского художественного музея, Национальной галереи (Мельбурн, Австралия), Галереи Фолькера Диля (Берлин, Германия), Центра Помпиду (Париж, Франция), Государственной Третьяковской галереи, Министерства Культуры РФ.
Его стиль складывался под влиянием работ Ильи Кабакова и Эрика Булатова. Волков постоянно экспериментировал с техникой и материалами. Цитируя старых мастеров, он демонстрирует уязвимость, шаткость и эфемерность искусства. В 1990-е в творчестве художника впервые появляется серия работ, выполненных на школьных грифельных досках. Волков говорил, что был вдохновлен грифельными досками Франсиса Пикабиа, которые он увидел на выставке в Париже. Первый опыт в этой технике имел место в 1993 году, затем художник вернулся к ней в 2000-е. На большом формате тончайшие рисунки, какие-то из них явно повторяли фотографии, другие представляли реплики известных произведений искусства, но многие были отражением фантазий самого художника. В 1990- е годы, когда, соответствуя атмосфере окружающей нестабильности в стране, появилась эта идея, что все есть тлен, в работах Волкова она была доведена до абсолюта. Мел на досках принципиально никак не был закреплен, и в любую минуту изображение могло быть уничтожено. Изображение на школьной доске вызывает ассоциации с учебными практиками (картина становится своего рода упражнением, не претендующим на большее и обреченным на то, чтобы быть стертым дежурным в перерыве между занятиями), Волков создает образы, одновременно трудоемкие и неустойчивые, хрупкие. В 2000-е годы новые работы стали уже фиксироваться, и вместе с эпохой неуловимо изменились их визуальная и эмоциональная составляющие.
Работы на стенде:
«Монро» из серии «Школьные доски» (2020)
школьная доска, мел, 180 x136 см
В представленной работе внимательный зритель узнает цитату из произведения П. Федотова «Сватовство майора», оммаж на знаменитый «Диптих Мэрилин» Уорхола или же творчество Владислава Мамышева-Монро.
«Илья Муромец»
Портрет повторяет знакомый каждому с детства образ Ильи Муромца, созданный Виктором Васнецовым в «Богатырях».
Один из самых ярких представителей московской арт-сцены 90-х годов. В 1970-е учился на архитектора в Казанском инженерно- строительном институте, работал фотографом, посещал ВГИК вольнослушателем. В середине 1980-х оказался в художническом сквоте «Детский сад». Работал в мастерских в Фурманном переулке, был участником музыкального арт-коллектива «Среднерусская возвышенность», а также участвовал в шоу Курёхина «Поп-механика». В конце 1980-х Волков стал одним из
самых востребованных на Западе молодых и актуальных художников из СССР. Волков — участник знаменитого первого в Москве аукциона Sotheby's 1988 года. В 1990-м его работы были представлены в павильоне СССР на 44-й Венецианской биеннале. Работы художника находятся в собраниях Музея Людвига (Кельн, Германия), Музея искусств (Берн, Швейцария), Денверского художественного музея, Национальной галереи (Мельбурн, Австралия), Галереи Фолькера Диля (Берлин, Германия), Центра Помпиду (Париж, Франция), Государственной Третьяковской галереи, Министерства Культуры РФ.
Его стиль складывался под влиянием работ Ильи Кабакова и Эрика Булатова. Волков постоянно экспериментировал с техникой и материалами. Цитируя старых мастеров, он демонстрирует уязвимость, шаткость и эфемерность искусства. В 1990-е в творчестве художника впервые появляется серия работ, выполненных на школьных грифельных досках. Волков говорил, что был вдохновлен грифельными досками Франсиса Пикабиа, которые он увидел на выставке в Париже. Первый опыт в этой технике имел место в 1993 году, затем художник вернулся к ней в 2000-е. На большом формате тончайшие рисунки, какие-то из них явно повторяли фотографии, другие представляли реплики известных произведений искусства, но многие были отражением фантазий самого художника. В 1990- е годы, когда, соответствуя атмосфере окружающей нестабильности в стране, появилась эта идея, что все есть тлен, в работах Волкова она была доведена до абсолюта. Мел на досках принципиально никак не был закреплен, и в любую минуту изображение могло быть уничтожено. Изображение на школьной доске вызывает ассоциации с учебными практиками (картина становится своего рода упражнением, не претендующим на большее и обреченным на то, чтобы быть стертым дежурным в перерыве между занятиями), Волков создает образы, одновременно трудоемкие и неустойчивые, хрупкие. В 2000-е годы новые работы стали уже фиксироваться, и вместе с эпохой неуловимо изменились их визуальная и эмоциональная составляющие.
Работы на стенде:
«Монро» из серии «Школьные доски» (2020)
школьная доска, мел, 180 x136 см
В представленной работе внимательный зритель узнает цитату из произведения П. Федотова «Сватовство майора», оммаж на знаменитый «Диптих Мэрилин» Уорхола или же творчество Владислава Мамышева-Монро.
«Илья Муромец»
Портрет повторяет знакомый каждому с детства образ Ильи Муромца, созданный Виктором Васнецовым в «Богатырях».
АЙДАН САЛАХОВА (род. 1964, Москва)
Живописец и скульптор, педагог, в недавнем прошлом активный галерист и общественный деятель.
Pодилась в 1964 году в семье художников Таира Салахова и Ванцетты Ханум. Выпускница Художественного института им. В. И. Сурикова,
академик Академии художеств РФ, основательница «Первой галереи», одной из первых в России частных галерей. Заслуженный деятель искусств Российской Федерации. Участница Венецианской биеннале (1990, 2011). Регулярно представляет российское искусство на Венецианской биеннале и других важнейших международных выставках.
Переосмысляет традиционное восточное искусство: живопись и графика отличаются черно-золотой палитрой, вниманием к орнаменту и силуэту, точностью линий. Одна из первых на постсоветком пространстве начала работать с темами гендерных ролей и положения женщины. В своих работах Салахова исследует темы взаимодействия Востока и Запада, тему мужского и женского начала в контексте Ислама, вопросы запретов, эзотерики и красоты. Художница обращается к крайне широкому и разнообразному ряду техник и визуальных стилей, благодаря чему становится очевидной связь работ Айдан одновременно и с западными, и с восточными традициями в искусстве. Женскую фигуру в парандже Салахова увековечивает и в каррарском мраморе, и в цифровом видео, и на холсте.
Ее работы находятся в частных и государственных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее (Москва), Московском музее современного искусства, Фонде культуры «Екатерина», Francois Pinault Foundation, Teutloff Museum, в «XL Галерее»; в частных коллекциях П.-К. Броше, Т. Новикова, В. Некрасова, В. Бондаренко и других.
На стенде представлена работа:
«Солнечное затмение» (2022) бумага, смешанная техника 100х70 см
Живописец и скульптор, педагог, в недавнем прошлом активный галерист и общественный деятель.
Pодилась в 1964 году в семье художников Таира Салахова и Ванцетты Ханум. Выпускница Художественного института им. В. И. Сурикова,
академик Академии художеств РФ, основательница «Первой галереи», одной из первых в России частных галерей. Заслуженный деятель искусств Российской Федерации. Участница Венецианской биеннале (1990, 2011). Регулярно представляет российское искусство на Венецианской биеннале и других важнейших международных выставках.
Переосмысляет традиционное восточное искусство: живопись и графика отличаются черно-золотой палитрой, вниманием к орнаменту и силуэту, точностью линий. Одна из первых на постсоветком пространстве начала работать с темами гендерных ролей и положения женщины. В своих работах Салахова исследует темы взаимодействия Востока и Запада, тему мужского и женского начала в контексте Ислама, вопросы запретов, эзотерики и красоты. Художница обращается к крайне широкому и разнообразному ряду техник и визуальных стилей, благодаря чему становится очевидной связь работ Айдан одновременно и с западными, и с восточными традициями в искусстве. Женскую фигуру в парандже Салахова увековечивает и в каррарском мраморе, и в цифровом видео, и на холсте.
Ее работы находятся в частных и государственных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее (Москва), Московском музее современного искусства, Фонде культуры «Екатерина», Francois Pinault Foundation, Teutloff Museum, в «XL Галерее»; в частных коллекциях П.-К. Броше, Т. Новикова, В. Некрасова, В. Бондаренко и других.
На стенде представлена работа:
«Солнечное затмение» (2022) бумага, смешанная техника 100х70 см
ВИТАС СТАСЮНАС (Род. 1958, Куршская Коса)
Учился на курсах мастеров резьбы по камню при Московской государственной художественно-промышленной академии имени С. Г. Строганова. В конце Перестройки Стасюнас входит в круг концептуалистов и молодых художников, называемых часто "кабачками" по имени их главного вдохновителя Ильи Кабакова. В начале 90-х годов участвовал в знаменитых перестроечных выставках – таких как – «Перспективы
концептуализма», «Novochento», выставках галереи «Риджина». С 1991 года член Горкома графиков. С 1993 года член Московского союза художников, скульптурная секция. Участник III Московской биеннале современного искусства (2009). В 2004 году был номинантом премии «Черный квадрат», номинант государственной премии Инновация (2012).
Вдохновением для художника является абсурд, окружающий человека. Творческий путь начал с обращения к традициям соц-арта, позднее занялся ироническим переосмыслением реальности через узнаваемые советские и современные образы массовой культуры. На холсте использует техники коллажа и ассамбляжа. Подвергая художественной обработке предметы простые до примитивности, не тронутые дизайнерской мыслью, он пытался обратить внимание на ту сторону вещей, которая обычно пропадает из виду.
Работы находятся в коллекциях Государственного Русского музея, Государственной Третьяковской Галереи, Мультимедиа Арт Музея, North Carolina Museum of Art, Пермского музея современного искусства, Красноярского музея современного искусства и др.
На стенде представлены работы из серии «Русский гриб» (2014):
Серия представляет собой набор различных музыкальных инструментов, из которых прорастают нанизанные на палочки опята, напоминающие смычки в оркестре или нотный ряд. Художник о серии: «Опята — это внешне невзрачные неприхотливые грибы, которые можно встретить по всей России. Опенок, в моем ощущении это, в своем роде, русский человек, который любит кучковаться, решать вопросы большими группами».
Учился на курсах мастеров резьбы по камню при Московской государственной художественно-промышленной академии имени С. Г. Строганова. В конце Перестройки Стасюнас входит в круг концептуалистов и молодых художников, называемых часто "кабачками" по имени их главного вдохновителя Ильи Кабакова. В начале 90-х годов участвовал в знаменитых перестроечных выставках – таких как – «Перспективы
концептуализма», «Novochento», выставках галереи «Риджина». С 1991 года член Горкома графиков. С 1993 года член Московского союза художников, скульптурная секция. Участник III Московской биеннале современного искусства (2009). В 2004 году был номинантом премии «Черный квадрат», номинант государственной премии Инновация (2012).
Вдохновением для художника является абсурд, окружающий человека. Творческий путь начал с обращения к традициям соц-арта, позднее занялся ироническим переосмыслением реальности через узнаваемые советские и современные образы массовой культуры. На холсте использует техники коллажа и ассамбляжа. Подвергая художественной обработке предметы простые до примитивности, не тронутые дизайнерской мыслью, он пытался обратить внимание на ту сторону вещей, которая обычно пропадает из виду.
«У Витаса Стасюнаса тварное прорастает на подоконниках, радиоточках, мебели старых московских квартир-мастерских, подобных той же «Бронной, 10». Строительный мусор превращается в ландшафт микрорайонов. Разбитое стекло – в раму графического пейзажа, выполненного в силуэтной манере. А кучками растут опята, смиренные индексы съедобной планетарной грязи. Подобно курехинским мухоморам, у Стасюнаса опята стали честным свидетелем новых процессов антропоцена в отдельно взятом сообществе, на дачном участке, в квартире»
С. Хачатуров
Работы находятся в коллекциях Государственного Русского музея, Государственной Третьяковской Галереи, Мультимедиа Арт Музея, North Carolina Museum of Art, Пермского музея современного искусства, Красноярского музея современного искусства и др.
На стенде представлены работы из серии «Русский гриб» (2014):
Серия представляет собой набор различных музыкальных инструментов, из которых прорастают нанизанные на палочки опята, напоминающие смычки в оркестре или нотный ряд. Художник о серии: «Опята — это внешне невзрачные неприхотливые грибы, которые можно встретить по всей России. Опенок, в моем ощущении это, в своем роде, русский человек, который любит кучковаться, решать вопросы большими группами».
АРКАДИЙ НАСОНОВ (Род. 1969, Екатеринбург)
Представитель младшей линии концептуализма, принадлежит к художественной линии психоделического реализма. В 1991 году окончил постановочный факультет Школы-студии МХАТ.
В 1992 совместно с Дмитрием Лигеросом и Татьяной Деткиной основал художественную группу «Облачная комиссия» (ОК). Название арт-группы восходит к«Руководству для определения облачных форм», изданному Главной геофизической обсерваторией в Ленинграде в 1930 году. Вступавшие в «Комиссию» обязаны были регистрироваться, оформлять членские билеты, получать бланки: язык документооборота старательно доводился до абсурда. Со временем в объединение вошло более сотни «наблюдателей- регистраторов», среди которых были Владислав Мамышев-Монро, Ольга Чернышёва, Павел Пепперштейн и многие другие.
В работах Насонова прослеживаются мотивы из научно-популярной литературы, советских фильмов, старых журналов, всевозможных руководств исхем. Органично соединяя эти разнородные элементы культурного пространства советского человека, художник создает экзистенциальный коллаж, который сочетает строгость научного подхода, канцелярит и неконтролируемый поток сознания.
C 1989 года провел свыше 30 персональных выставок, участник более чем 130 коллективных выставок в России и за рубежом. В 1995 году основал совместно с Сергеем Ануфриевым и Андреем Соболевым поэтическое общество «ТАРТУ». C 2002 года член группы «Инспекция «Медицинская герменевтика» (основана П. Пепперштейном, С. Ануфриевым и Ю. Лейдерманом в 1987 году). С 2004 года директор «Галереи Одного Зрителя». В 2009 году вошел в лонг-лист премии Кандинского в номинации «Проект года» (проект «Без звука»). Участник 4-й Московской биеннале современного искусства. В апреле 2023 года в Доме культуры ГЭС-2 открылась выставка, посвящённая деятельности «Облачной комиссии».
Работы в собрании Государственного центра современного искусства (Москва), в частных коллекциях в России и за рубежом.
Представитель младшей линии концептуализма, принадлежит к художественной линии психоделического реализма. В 1991 году окончил постановочный факультет Школы-студии МХАТ.
В 1992 совместно с Дмитрием Лигеросом и Татьяной Деткиной основал художественную группу «Облачная комиссия» (ОК). Название арт-группы восходит к«Руководству для определения облачных форм», изданному Главной геофизической обсерваторией в Ленинграде в 1930 году. Вступавшие в «Комиссию» обязаны были регистрироваться, оформлять членские билеты, получать бланки: язык документооборота старательно доводился до абсурда. Со временем в объединение вошло более сотни «наблюдателей- регистраторов», среди которых были Владислав Мамышев-Монро, Ольга Чернышёва, Павел Пепперштейн и многие другие.
В работах Насонова прослеживаются мотивы из научно-популярной литературы, советских фильмов, старых журналов, всевозможных руководств исхем. Органично соединяя эти разнородные элементы культурного пространства советского человека, художник создает экзистенциальный коллаж, который сочетает строгость научного подхода, канцелярит и неконтролируемый поток сознания.
C 1989 года провел свыше 30 персональных выставок, участник более чем 130 коллективных выставок в России и за рубежом. В 1995 году основал совместно с Сергеем Ануфриевым и Андреем Соболевым поэтическое общество «ТАРТУ». C 2002 года член группы «Инспекция «Медицинская герменевтика» (основана П. Пепперштейном, С. Ануфриевым и Ю. Лейдерманом в 1987 году). С 2004 года директор «Галереи Одного Зрителя». В 2009 году вошел в лонг-лист премии Кандинского в номинации «Проект года» (проект «Без звука»). Участник 4-й Московской биеннале современного искусства. В апреле 2023 года в Доме культуры ГЭС-2 открылась выставка, посвящённая деятельности «Облачной комиссии».
Работы в собрании Государственного центра современного искусства (Москва), в частных коллекциях в России и за рубежом.
СТАНИСЛАВ ШУРИПА (Род. 1971, Южно-Сахалинск)
Художник, куратор, преподаватель ИПСИ. С 1990 по 1993 год учился в Московском институте радиоэлектроники и автоматики. В 1997 году получил степень бакалавра в Университете истории культуры в Москве. В 1999-м стал стипендиатом Artists in residence в Leube Baustoffi, Австрия. В 2001–2002 прошел курс «Новые художественныестратегии» в Институте проблем современного искусства, Москва, а в 2004-м получил степень Master of Arts в Высшей школе искусств «Валанд» Гетеборгского университета (Швеция).
Ативный участник художественного процесса в России и за рубежом, его персональные выставки проходили в Зальцбурге, Гетеборге, Париже, Москве. Участник Московской биеннале современного искусства (2013), биеннале Манифеста (2014). Лауреат премии «Инновация-2018» в номинации «Книга года: теория и история современного искусства» за издание «Действие и смыслы в искусстве второй половины XX века. Труды ИПСИ. Том III»
Исследует городскую среду, изображая ее как безлюдный компьютерный мир с четкой геометрией и продуманной конструкцией. Пространство, кажущееся виртуальным, детально прорисовано маслом на холсте. Если представители московского концептуализма рассматривают язык живописи аналогичным тексту, то формулы Шурипы — скорее компьютерное «окно», точнее, файл, за маленькой картинкой которого спрятан огромный объем информации.
Художник, куратор, преподаватель ИПСИ. С 1990 по 1993 год учился в Московском институте радиоэлектроники и автоматики. В 1997 году получил степень бакалавра в Университете истории культуры в Москве. В 1999-м стал стипендиатом Artists in residence в Leube Baustoffi, Австрия. В 2001–2002 прошел курс «Новые художественныестратегии» в Институте проблем современного искусства, Москва, а в 2004-м получил степень Master of Arts в Высшей школе искусств «Валанд» Гетеборгского университета (Швеция).
Ативный участник художественного процесса в России и за рубежом, его персональные выставки проходили в Зальцбурге, Гетеборге, Париже, Москве. Участник Московской биеннале современного искусства (2013), биеннале Манифеста (2014). Лауреат премии «Инновация-2018» в номинации «Книга года: теория и история современного искусства» за издание «Действие и смыслы в искусстве второй половины XX века. Труды ИПСИ. Том III»
Исследует городскую среду, изображая ее как безлюдный компьютерный мир с четкой геометрией и продуманной конструкцией. Пространство, кажущееся виртуальным, детально прорисовано маслом на холсте. Если представители московского концептуализма рассматривают язык живописи аналогичным тексту, то формулы Шурипы — скорее компьютерное «окно», точнее, файл, за маленькой картинкой которого спрятан огромный объем информации.
«Поколение Стаса Шурипы — художника конца 90-х — выросло в эпоху нарастающей компьютеризации, поэтому корни его фантастических пейзажей легко найти в так называемой компьютерной эстетике. Безвоздушные пространства, странные структуры, жесткие контуры которых как бы затягивают зрителя внутрь, напоминают пейзажи "космических войн", на секунду оставленных инопланетными созданиями» Елена Селина
ВАСИЛИЙ ШУМОВ (род. 1960, Москва)
Российский музыкант, музыкальный продюсер и композитор. Известен как лидер группы «Центр» и автор проектов мультимедийного и экспериментального искусства. В разное время делал музыку в стилях новая волна, электронная музыка, авангард и других. Близок к кругу ленинградского андеграунда. В 1990-м окончил Калифорнийский арт- институт. До 2008 года Шумов жил в Лос-Анджелесе,
занимаясь музыкой и живописью. Помимо этого, он преподавал мультимедиа, дизайн и компьютерные технологии, а также снимал короткометражные ленты. Работает с объединением визуальных образов и музыки.
Представленная на стенде работа является примером коллажного редизайна винтажного плаката в технике акрил/оргалит, прием, к которому Шумов обращается в творчестве последних лет. Стиль и характер изображения, с одной стороны, отсылает нас к творчеству московских концептуалистов, с другой — обращается к образу знаменитой «Голубки» Пикассо. Пикассо был далеко не первым, кто использовал изображение голубя как символ мира, однако именно нарисованная им птица стала наиболее популярной в послевоенное время, и особенно в СССР.
Российский музыкант, музыкальный продюсер и композитор. Известен как лидер группы «Центр» и автор проектов мультимедийного и экспериментального искусства. В разное время делал музыку в стилях новая волна, электронная музыка, авангард и других. Близок к кругу ленинградского андеграунда. В 1990-м окончил Калифорнийский арт- институт. До 2008 года Шумов жил в Лос-Анджелесе,
занимаясь музыкой и живописью. Помимо этого, он преподавал мультимедиа, дизайн и компьютерные технологии, а также снимал короткометражные ленты. Работает с объединением визуальных образов и музыки.
Представленная на стенде работа является примером коллажного редизайна винтажного плаката в технике акрил/оргалит, прием, к которому Шумов обращается в творчестве последних лет. Стиль и характер изображения, с одной стороны, отсылает нас к творчеству московских концептуалистов, с другой — обращается к образу знаменитой «Голубки» Пикассо. Пикассо был далеко не первым, кто использовал изображение голубя как символ мира, однако именно нарисованная им птица стала наиболее популярной в послевоенное время, и особенно в СССР.
НИКОЛАЙ ОВЧИННИКОВ (род. 1958, Москва)
Один из представителей неофициального искусства 1980-х. Окончил театральное отделение МГХУ памяти 1905 года, какое-то время работал сценографом. В начале 1980-х познакомился с группой художников- концептуалистов. Овчинникова интересовала возможность средствами музыки выразить себя в перформансе и хеппининге. Таким симулятивно-музыкальным проектом с его
участием стала группа «Среднерусская возвышенность». Помимо Овчинникова, в нее входили другие художники: Свен Гундлах (р. 1959), Никита Алексеев (р. 1953) и Сергей Волков (р. 1956). С 1987 года Овчинников активно участвует в деятельности «Клуба Авангардистов» (КЛАВА), затем переезжает в Париж. В 1990-х, после развала СССР, художник возвращается на родину и входит в число ведущих мастеров российского актуального искусства.
За основу работ берет узнаваемое классическое полотно, которое дополняет современными бытовыми или массовыми образами. Объединяя традиционное искусство и стилистику поп-арта, размышляет о преемственности в культуре.
Персональные выставки в Москве и в галереях Германии, Италии, Франции (1989–2007). Участник спецпроекта 1-й Московской биеннале (2005), более 60 международных групповых выставок в России и Европе. Работы в Русском музее, ММОМА.
«Березовая» тема является фирменным знаком автора и источником вдохновения многих его инсталляций («Московский парфенон», «Они улетают», «Они возвращаются»). Уже около двух десятилетий Никола Овчинников разрабатывает тему березовой рощи, диапазон которой простирается от выразительности природной черно-белой «графики» до узнаваемого лирического образа страны. Овчинников создавал березовую живопись, березовые мобили, березовые принты... Но наиболее известной оказалась история превращения березовых колонн.
Один из представителей неофициального искусства 1980-х. Окончил театральное отделение МГХУ памяти 1905 года, какое-то время работал сценографом. В начале 1980-х познакомился с группой художников- концептуалистов. Овчинникова интересовала возможность средствами музыки выразить себя в перформансе и хеппининге. Таким симулятивно-музыкальным проектом с его
участием стала группа «Среднерусская возвышенность». Помимо Овчинникова, в нее входили другие художники: Свен Гундлах (р. 1959), Никита Алексеев (р. 1953) и Сергей Волков (р. 1956). С 1987 года Овчинников активно участвует в деятельности «Клуба Авангардистов» (КЛАВА), затем переезжает в Париж. В 1990-х, после развала СССР, художник возвращается на родину и входит в число ведущих мастеров российского актуального искусства.
За основу работ берет узнаваемое классическое полотно, которое дополняет современными бытовыми или массовыми образами. Объединяя традиционное искусство и стилистику поп-арта, размышляет о преемственности в культуре.
Персональные выставки в Москве и в галереях Германии, Италии, Франции (1989–2007). Участник спецпроекта 1-й Московской биеннале (2005), более 60 международных групповых выставок в России и Европе. Работы в Русском музее, ММОМА.
«Березовая» тема является фирменным знаком автора и источником вдохновения многих его инсталляций («Московский парфенон», «Они улетают», «Они возвращаются»). Уже около двух десятилетий Никола Овчинников разрабатывает тему березовой рощи, диапазон которой простирается от выразительности природной черно-белой «графики» до узнаваемого лирического образа страны. Овчинников создавал березовую живопись, березовые мобили, березовые принты... Но наиболее известной оказалась история превращения березовых колонн.
АННА ЛАПШИНОВА (род. 1996, Москва)
Молодая, перспективная художница, выпускница МГАХИ им. В. Сурикова, где училась под руководством А. Т. Салаховой и Н.А Дубовика.
В 2022 году в Pogodina gallery прошла первая персональная выставка художницы «HOME».
Анна молодой художник с уже выработанным авторским стилем и узнаваемым почерком. В своем творчестве Анна обращается к сюжетам из бытовой жизни, темам памяти, семьи, детства. Хотя творчество художницы наполнено личными переживаниями и основано на ее индивидуальном опыте, каждый образ отзывается в зрителе и порождает чувство ностальгии о чем-то родном и знакомом. Минимализм в творчестве художницы привносит особую ценность каждому элементу произведения. Это тот случай, когда пустота на холсте играет не меньшую роль, чем заполненные его части
Представленный на нашем стенде лайтбокс является частью выставочной инсталляции «Home», реализованной в пространстве галереи весной 2022г. Мягкий свет лайтбокса, подсвечивающий холст изнутри, призван передать зрителю эфемерное ощущение счастья от созерцания солнечных лучей,
пробивающихся сквозь тонкую материю оконных занавесок. В своем проекте художница стремится воссоздать то чувство безопасности и защищенности,какое можно испытать только дома, когда легкая ткань на окне становится самой крепкой броней, способной оградить от всех невзгод внешнего мира.
В настоящее время Анна активно принимает участие в групповых выставках: «Великая пустота» (Ruarts Foundation, 2022 г.), «Художник и скрытое» (Гоголь- центр, 2022 г.), «Уроборос» (Jart gallery, 2021), «New wave» (Boomer gallery, 2020 г.) и др.
Молодая, перспективная художница, выпускница МГАХИ им. В. Сурикова, где училась под руководством А. Т. Салаховой и Н.А Дубовика.
В 2022 году в Pogodina gallery прошла первая персональная выставка художницы «HOME».
Анна молодой художник с уже выработанным авторским стилем и узнаваемым почерком. В своем творчестве Анна обращается к сюжетам из бытовой жизни, темам памяти, семьи, детства. Хотя творчество художницы наполнено личными переживаниями и основано на ее индивидуальном опыте, каждый образ отзывается в зрителе и порождает чувство ностальгии о чем-то родном и знакомом. Минимализм в творчестве художницы привносит особую ценность каждому элементу произведения. Это тот случай, когда пустота на холсте играет не меньшую роль, чем заполненные его части
«Я не придерживаюсь какой-то одной техники (дерево, масло, холст, карандаш...). Для меня самое интересное искать и придумывать наиболее подходящий материал для реализации конкретной задумки. Внешняя форма произведения должна быть продиктована изнутри идеей. Главное — это почувствовать»
А. Лапшинова
Представленный на нашем стенде лайтбокс является частью выставочной инсталляции «Home», реализованной в пространстве галереи весной 2022г. Мягкий свет лайтбокса, подсвечивающий холст изнутри, призван передать зрителю эфемерное ощущение счастья от созерцания солнечных лучей,
пробивающихся сквозь тонкую материю оконных занавесок. В своем проекте художница стремится воссоздать то чувство безопасности и защищенности,какое можно испытать только дома, когда легкая ткань на окне становится самой крепкой броней, способной оградить от всех невзгод внешнего мира.
В настоящее время Анна активно принимает участие в групповых выставках: «Великая пустота» (Ruarts Foundation, 2022 г.), «Художник и скрытое» (Гоголь- центр, 2022 г.), «Уроборос» (Jart gallery, 2021), «New wave» (Boomer gallery, 2020 г.) и др.
КОНСТАНТИН БАТЫНКОВ (Род. 1959, Севастополь)
Ключевой московский художник среднего поколения, один из основателей творческой группы “Митьки”. Работает масштабными сериями в графике и живописи, обращаясь к разным темам и нарративам: от военных баталий и зрелищных спортивных игр до футуристических городских
пейзажей. Его творчеству свойственны легкость и импровизационность, ирония и острое чувство сегодняшнего дня.
Кумиром Константина Батынкова в искусстве еще в школьные годы стал советский художник, представитель русского авангарда 1920–1930-х годов Александр Лабас: у него он научился композиции, легкости мазка и штриха и опять же любви к авиации. Но Батынкову удалось развить и обогатить эту тему. Сюжеты его произведений вроде бы просты, но нередко скрывают слегка замаскированный сюр: то вертолет притаился в комнате под потолком, то подводная лодка парит над городом, то улыбается огромная гора-привидение, то морские мины летают по небу подобно воздушным шарам и кажутся такими добрыми.
Работы Батынкова экспонировались в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Государственном Русском музее, выставочных залах Российской Академии художеств, Московском музее современного искусства и на других площадках как в России, так и за рубежом. Живопись и графика художника находятся коллекциях Третьяковской галереи, ММОМА, ГЦСИ, Новый музей (Санкт-Петербур), Новосибирский государственный художественный музей, Новосибирск и др.
На стенде представлена графика Константина Батынкова из серии «Всадники».
Ключевой московский художник среднего поколения, один из основателей творческой группы “Митьки”. Работает масштабными сериями в графике и живописи, обращаясь к разным темам и нарративам: от военных баталий и зрелищных спортивных игр до футуристических городских
пейзажей. Его творчеству свойственны легкость и импровизационность, ирония и острое чувство сегодняшнего дня.
Кумиром Константина Батынкова в искусстве еще в школьные годы стал советский художник, представитель русского авангарда 1920–1930-х годов Александр Лабас: у него он научился композиции, легкости мазка и штриха и опять же любви к авиации. Но Батынкову удалось развить и обогатить эту тему. Сюжеты его произведений вроде бы просты, но нередко скрывают слегка замаскированный сюр: то вертолет притаился в комнате под потолком, то подводная лодка парит над городом, то улыбается огромная гора-привидение, то морские мины летают по небу подобно воздушным шарам и кажутся такими добрыми.
Работы Батынкова экспонировались в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Государственном Русском музее, выставочных залах Российской Академии художеств, Московском музее современного искусства и на других площадках как в России, так и за рубежом. Живопись и графика художника находятся коллекциях Третьяковской галереи, ММОМА, ГЦСИ, Новый музей (Санкт-Петербур), Новосибирский государственный художественный музей, Новосибирск и др.
На стенде представлена графика Константина Батынкова из серии «Всадники».